MASCARILLA 19 – CODES OF DOMESTIC VIOLENCE

Otto artisti analizzano il tema della violenza domestica durante la pandemia attraverso le opere video di Mascarilla 19 – Codes of domestic violence che offrono prospettive diverse su un tema comune colto nella sua ampiezza e urgenza: ogni opera esplora linguaggi e dimensioni differenti, dalla denuncia di natura documentaristica all’interpretazione simbolica e psicologica delle dinamiche relazionali, esprimendo ognuna la propria sensibilità individuale.

Iván Argote 

Espacios Seguros, 2020 
Video 2K, 19’ 55’’ 
Courtesy l’artista, Galerie Perrotin, Galería Vermelho, Galería Albarrán Bourdais e Fondazione In  Between Art Film 

La ricerca di Iván Argote (n.1983, Bogota; vive e lavora a Parigi) è incentrata sull’indagine dei sistemi  complessi che regolano le relazioni tra individui e le modalità con cui la storia, i ruoli sociali e il potere  si riflettono sulle strutture delle città e dello spazio pubblico. Le sue opere sono realizzate con una  grande varietà di mezzi tra cui: video, fotografia, scultura, disegno e installazione.  

In Espacios Seguros (Spazi sicuri) Argote connette idealmente due città che sono legate alla sua biografia:  Bogotá, dove è nato e cresciuto, e Parigi, dove si è formato come artista e dove vive. Due contesti  molto diversi tra loro su un piano politico, economico e sociale, ma dove la violenza contro le donne è  presente con numeri e dinamiche tragicamente simili.  

L’artista riprende nel suo quartiere le scritte del collettivo di attiviste anonime “collage feminicides”, che  denunciano, attraverso frasi concise e con un’identità grafica semplice ma immediatamente  riconoscibile, la diffusione della violenza di genere e dei femminicidi in Francia. Lo zoom della  telecamera concentra lentamente il punto di vista sui collage, mentre intorno la città procede con i suoi  ritmi abituali, colpevolmente indifferente al dramma che le frasi rivelano. Argote sposta così il terreno  del confronto dallo spazio domestico a quello pubblico, costringendoci a riflettere sulla  normalizzazione della violenza e sul paradosso di un problema apparentemente nascosto, ma in realtà  perfettamente visibile.

Alle immagini dei collage si sovrappone la voce di Diana Rodriguez Franco, “Secretaria de la Mujer de  Bogotá” (Segretaria della donna di Bogotá), il ministero della città che si occupa di implementare  politiche pubbliche per la prevenzione e il supporto alle donne vittime di violenza. Nell’intervista,  realizzata dall’artista, la funzionaria racconta come ha sviluppato il programma Espacios seguros, in  risposta al crescente numero di casi di violenza domestica durante la pandemia di COVID-19.  

I testi, le immagini e i suoni, seppur in lingue diverse, creano una grammatica comune che sottolinea la  gravità della situazione e la necessità di agire subito.

Silvia Giambrone 

Domestication, 2020 
Video 2K, 15’ 
Courtesy l’artista, Studio Stefania Miscetti, Galleria Marcolini, Richard Saltoun Gallery e Fondazione In  Between Art Film 

L’opera di Silvia Giambrone (Agrigento, 1891) di natura prettamente politica, evidenzia e denuncia le  modalità dell’assoggettamento femminile attraverso l’impiego di modelli culturali che riguardano il  corpo, il comportamento atteso e la manipolazione dell’immaginario. Le sue opere sono un potente  dispositivo per riflettere sia sull’addomesticamento alla violenza, che sul tabù che circonda questa  pulsione, sulla capacità di poter assoggettare gli altri usando una grammatica affettiva e relazionale  socialmente accettata e a cui siamo talmente assuefatti da non riuscire più a riconoscerla come tale. 

Silvia Giambrone nel video Domestication ha utilizzato come palinsesto concettuale il Saggio di educazione e  istruzione dei fanciulli, scritto dal teologo svizzero Johan Sulzer nel 1748 che muove dal presupposto che  “l’educazione non è altro se non apprendimento dell’obbedienza”. Un’obbedienza ottenuta con la  coercizione sia fisica che psicologica tanto che questo tipo di pedagogia oggi viene definita dagli 

studiosi della materia Pedagogia nera. Questo doloroso insieme di regole, che per secoli ha costituito  l’ossatura dell’educazione impartita ai bambini, ha generato una serie di strascichi culturali e  comportamentali che, ancora oggi, vengono ritenuti da educatori e psicoterapeuti responsabili per  l’attitudine alla violenza che caratterizza le relazioni umane. In un interno domestico due attori, un  uomo e una donna, che hanno introiettato il paradigma della violenza all’interno della loro relazione si  muovono in maniera evocativa e poetica. I due protagonisti, sono sempre ripresi da soli in  quell’ambiente comune, come se fossero uno la proiezione o il ricordo dell’altro, e gli oggetti che  entrambi utilizzano diventano i segni tangibili della loro effettiva presenza. Oggetti di uso comune che  però se guardati attraverso la lente deformante della violenza diventano potenzialmente pericolosi e  sinistri, oggetti che diventano quindi sia i testimoni che gli strumenti di una violenza simbolica. Il  confine fra vittima e carnefice è sfumato al punto da rendere difficile definire chi dei due incarna quei  due ruoli, tutto il video è pervaso da una tensione che è sempre sul punto di scoppiare perché ormai  incistata non solo nello spazio domestico ma anche nella psiche dei suoi abitanti. Il registro visivo è  un’alternanza di ritmi ossessivi e disturbanti con dei momenti quasi onirici nonostante la credibilità  dell’ambiente e dei personaggi.

Eva Giolo 

Flowers blooming in our throats, 2020 
16mm trasferito su supporto digitale, 8’ 42″ 
Courtesy l’artista, Fondazione In Between Art Film e Elephy 

Eva Giolo (n.1991 Bruxelles) è un’artista visiva che impiega strategie documentarie per indagare storie  personali e familiari, con uno sguardo intenso e sensibile sul mondo femminile. Nella sua pratica  utilizza spesso riprese in 16mm e found footage provenienti da archivi di home video e dal suo privato. 

Filmato in 16mm subito dopo il lockdown dovuto alla pandemia di COVID-19, Flowers blooming in our  throats è un ritratto cinematografico intimo e poetico dei fragili equilibri che regolano la quotidianità nel  contesto domestico. L’artista riprende un gruppo di donne, con cui condivide legami di amicizia,  mentre nelle loro case eseguono piccole azioni seguendo le sue indicazioni. Giolo sceglie di percorrere 

un confine labile dove i gesti rimangono simbolicamente ambigui, espressione di una violenza non  immediatamente riconoscibile. Mani che cercano di sostenersi e di sottrarsi, ma anche di stringere e  colpire, in un gioco sottile di suoni e riferimenti che alimenta il senso di tensione e disagio nello  spettatore. Una conversazione gestuale, composta da sequenze visive che si ripetono, in cui il tempo è  scandito dalla rotazione di una piccola trottola, anch’essa instabile e precaria come gli equilibri in una  relazione affettiva.

L’artista utilizza ripetutamente un filtro rosso sull’obiettivo, creando un dispositivo concettuale che  sfrutta un elemento di astrazione per occultare e trasfigurare le immagini. L’inserimento meccanico del  filtro nell’obiettivo diventa così una simulazione di un atto violento, che immediatamente cambia la  nostra percezione della memoria di uno stesso gesto già visto in precedenza.  

Questa compresenza di opposti si ritrova anche nel titolo che metaforicamente associa alla bellezza di  un fenomeno naturale, e implicitamente all’amore, il rischio di trasformarsi in un impulso soffocante.

Basir Mahmood 

Sunsets, everyday, 2020 
Video, 14’ 55’’ 
Courtesy l’artista e Fondazione In Between Art Film 

Formatosi come scultore, Basir Mahmood (n. 1985, Lahore; vive e lavora ad Amsterdam) utilizza il  video e la fotografia per riflettere sui meccanismi di costruzione del linguaggio cinematografico e per  confrontarsi con il valore estetico e politico della realtà quotidiana.  

Sunsets, everyday è il risultato di una ricerca iniziata dall’artista immaginando il processo, sia fisico che  cinematografico, che genera le immagini di violenza domestica. Durante il lockdown alcune vittime  hanno coraggiosamente utilizzato i social media per condividere fotografie dei loro volti, per  incoraggiare altre donne a denunciare. Le ferite e i segni sui loro corpi erano l’unica prova tangibile dei  colpi e del dolore che avevano subito, e per l’artista sono state il punto di partenza per riflettere su tutto  quello che accade lontano dal nostro sguardo.  

Mahmood ha quindi commissionato a un team di produzione cinematografica in Pakistan di ricreare e  filmare in sua assenza una scena ripetuta di violenza domestica, seguendo le sue istruzioni e alcune immagini di riferimento. Mentre la troupe principale era impegnata a lavorare, due cameramen avevano  l’indicazione di filmare in continuo l’intero processo e gli elementi del set nei minimi dettagli. Questa  metodologia di lavoro a distanza, da lui spesso utilizzata, attiva una riflessione su un piano concettuale  sul ruolo dell’artista e sulla sua autorialità, rendendolo testimone e osservatore della sua stessa opera. 

La messa in scena della violenza è quindi ciò che genera le immagini sullo schermo, ma l’atto in sé è  quasi del tutto negato allo spettatore. Sono infatti visibili solo stretti primi piani e piccole porzioni di  corpi femminili. L’artista rifiuta così qualsiasi spettacolarizzazione e si concentra invece sul processo  cinematografico e sui codici del suo linguaggio. Un metacinema della violenza i cui protagonisti sono  tecnici e membri della troupe sottoposti alla richiesta estenuante di ripetere la scena per 16 ore  consecutive di riprese. Il set stesso è indagato dalla telecamera con uno sguardo forense, e gli oggetti  che lo compongono sono portati sullo stesso piano di valore delle persone. Testimoni forzati della  violenza che si consuma di fronte a loro. La riproposizione quasi ossessiva degli stessi gesti, come la  pulizia del pavimento, diventa così espressione della quotidianità della violenza. Un atto che si ripete  attraverso una tragica continuità. Tutti i giorni, inevitabile come un “tramonto”. 

MASBEDO 

Daily Routine, 2020 
Video 4K, 11’ 
Courtesy gli artisti e Fondazione In Between Art Film 

MASBEDO è un duo artistico formato da Nicolò Massazza (1973, Milano) e Jacopo Bedogni (1970,  Sarzana) e la cui pratica si articola in video, film, performance e installazione, fino ad arrivare a  collaborazioni nel campo della regia teatrale e lirica. Attraverso un vocabolario formale che attinge alla  dimensione simbolica delle immagini in movimento, gli artisti esplorano l’universo delle relazioni umane nei loro aspetti più profondi, legati spesso ai temi dell’incomunicabilità e della distanza  psicologica. 

La protagonista di Daily Routine abita una casa spoglia fatta di vetro e cemento, all’interno della quale  pochi arredi minimalisti punteggiano uno spazio altrimenti vuoto. Dall’imbrunire fino alla notte, la sua  solitudine è interrotta da una sequenza di gesti ordinari cui sembra essere ormai assuefatta: controllare  le telecamere di sicurezza, fumare, prepararsi la cena e allenarsi su una cyclette ellittica. Diventa presto  evidente come questa architettura severa e trasparente sia, in realtà, uno strumento di controllo: tutto è  visibile dall’esterno e uno sguardo lontano sembra registrare ogni movimento che avvenga all’interno di  questa struttura del dominio. 

Il silenzio che grava su questa casa è interrotto solo da poche, perentorie comunicazioni telefoniche,  quasi fossero istruzioni che non richiedono risposte: una voce maschile si assicura che tutto sia sigillato  ed esprime soddisfazione per la perfezione degli arredi. Attraverso una estrema economia di azioni e  narrazione, i Masbedo trasformano la telecamera in uno strumento ossessivo del dominio maschile,  mettendo in scena di quest’ultimo il delirio narcisistico, l’ansia di controllo e l’espressione della violenza  attraverso la più quita forma di oggettificazione della propria partner. In Daily Routine l’abuso non ha  bisogno di manifestarsi in gesti improvvisi ed eclatanti: esso si è, infatti, sedimentato nella dinamica  relazionale di coppia, impregna i muri e si riflette sulle ampie vetrate, abita i silenzi e scandisce con  ritmo infernale l’allenamento fisico, fino a penetrare nei gesti stessi della nutrizione. Ed è proprio  nell’aspetto meccanico dell’esercizio fisico che si esprime la dimensione più sottile ed agghiacciante di  quest’opera, che della violenza evoca il basso continuo e il battito costante.

Elena Mazzi 

Muse, 2020 
Video 4K, 13’ 30’’ 
Courtesy l’artista, galleria Ex Elettrofonica e Fondazione In Between Art Film 

La poetica di Elena Mazzi (Reggio Emilia, 1984) riguarda il rapporto tra l’uomo e l’ambiente in cui vive.  Seguendo un approccio prevalentemente antropologico, la sua analisi indaga e documenta l’identità sia  personale che collettiva relativa a uno specifico territorio mettendo in evidenza le diverse forme di  scambio e trasformazione. 

Elena Mazzi nel video Muse accompagna per mano lo spettatore nell’incubo della violenza di genere  attraverso la bellezza straniante delle statue greco-romane conservate nell’Antiquarium della Domus  Grimani a Venezia. Il video inizia con delle inquadrature di particolari di interni come se quelle sale  fossero ancora vissute mentre una voce narrante ci porta nell’intimità della persona che abitava, o forse  ancora abita, quelle stanze solitarie. Il ritmo visivo cambia quando la camera comincia ad inquadrare  particolari anatomici dei corpi e dei volti di uomini e donne dell’antichità, corpi restaurati, rimessi  insieme, tagli e suture nel marmo, dettagli su mani dalle dita mozzate, gambe e corpi che si susseguono,  mettendo in relazione statue maschili e femminili da diverse angolazioni, con luci naturali che tagliano  gli sguardi. Sono statue trafugate da altri luoghi, in un’epoca di crudo colonialismo che stride con il  perfetto equilibrio estetico in cui sono allestite. Sono corpi che ci raccontano storie lontane, di relazioni  amorose, di violenza, di mito, di saccheggio, di morte e di rinascita. La voce narrante ci parla di stupri,  di rapimenti e di dei violenti che non esitano a trasformarsi per poter raggirare le loro prede sessuali,  esseri umani disarmati e bellissimi sia uomini che donne. Il testo è stato costruito selezionando alcuni miti in cui la violenza è il fulcro del racconto e inserendolo in una narrazione più ampia che mette in  relazione quel passato mitologico con la contemporaneità mettendo in evidenza come certe dinamiche  comportamentali si ripetano ancora oggi sempre uguali. Questa narrazione visivamente potente ci porta  in un mondo violento, quello del mito, fatto di sopraffazione e dominazione e in cui questa violenza  viene agita direttamente da un Dio iroso e desiderante.

Adrian Paci 

Vedo rosso, 2020 
Video, 11’ 38’’ 
Testo e voce: Daria Deflorian 
Courtesy l’artista, kaufmann repetto, Peter Kilchmann Gallery e Fondazione In Between Art Film 

Sin dalla fine degli anni Novanta, Adrian Paci (1969, Shkodër, Albania. Vive e lavora a Milano) ha  sviluppato una pratica artistica che contempla video, film, pittura, fotografia e installazione. Centrale nel  suo lavoro è il tema della dislocazione, che Paci affronta attraverso la rappresentazione dei flussi  migratori globali e, con linguaggio poetico e metaforico, trattando la trasformazione delle immagini tra  cinema e pittura, la natura cangiante della memoria personale e il rapporto tra immagini in movimento,  storia e realtà. 

In Vedo rosso le immagini sono pressoché assenti: lo schermo è saturo di un rosso palpitante che, solo  per alcuni istanti, è interrotto dalla comparsa di un occhio. La scelta, quasi paradossale, di affrontare il  dramma della violenza domestica attraverso la negazione dell’immagine rivela una sorta di “impossibilità” del racconto: il rosso, infatti, è quello di un dito che ostruisce la telecamera del  telefonino, una sorta di errore, di disturbo della registrazione delle immagini che sovente accade. È  come se l’obiettivo del cellulare non riuscisse a riprendere l’ambiente domestico e fosse continuamente  frustrato, ricacciato in una dimensione claustrofobica. 

Gli occhi che fanno una fugace apparizione sono frammenti di ritratti filmici di rifugiate siriane che  Paci ha girato a Beirut nel 2018: anche qui siamo di fronte a un movimento – quello migratorio e legato  alla salvezza – che viene negato, insieme con la possibilità, spesso sottratta ai rifugiati, di raccontare la  propria storia al di là delle semplificazioni prodotte dei media. 

Un testo originale scritto e interpretato dall’autrice teatrale e attrice Daria Deflorian fornisce la struttura  narrativa: qui il potere del racconto trasforma l’assenza di immagini in uno spazio drammaturgico e di  ascolto cui lo spettatore non può sottrarsi, e che trasmette tanto la complessità e le contraddizioni  dell’abuso quanto la vischiosità di certe relazioni. 

Vedo rosso è una polifonia per colore e voce, una tessitura che intreccia tre forme di isolamento, di  costrizione e di negazione tanto spaziali quanto interiori e che tematizza sia il limite – fisico,  psicologico, individuale e collettivo – sia il desiderio del suo superamento.

Iván Argote 

Espacios Seguros, 2020 
Video 2K, 19’ 55’’ 
Courtesy l’artista, Galerie Perrotin, Galería Vermelho, Galería Albarrán Bourdais e Fondazione In  Between Art Film 

La ricerca di Iván Argote (n.1983, Bogota; vive e lavora a Parigi) è incentrata sull’indagine dei sistemi  complessi che regolano le relazioni tra individui e le modalità con cui la storia, i ruoli sociali e il potere  si riflettono sulle strutture delle città e dello spazio pubblico. Le sue opere sono realizzate con una  grande varietà di mezzi tra cui: video, fotografia, scultura, disegno e installazione.  

In Espacios Seguros (Spazi sicuri) Argote connette idealmente due città che sono legate alla sua biografia:  Bogotá, dove è nato e cresciuto, e Parigi, dove si è formato come artista e dove vive. Due contesti  molto diversi tra loro su un piano politico, economico e sociale, ma dove la violenza contro le donne è  presente con numeri e dinamiche tragicamente simili.  

L’artista riprende nel suo quartiere le scritte del collettivo di attiviste anonime “collage feminicides”, che  denunciano, attraverso frasi concise e con un’identità grafica semplice ma immediatamente  riconoscibile, la diffusione della violenza di genere e dei femminicidi in Francia. Lo zoom della  telecamera concentra lentamente il punto di vista sui collage, mentre intorno la città procede con i suoi  ritmi abituali, colpevolmente indifferente al dramma che le frasi rivelano. Argote sposta così il terreno  del confronto dallo spazio domestico a quello pubblico, costringendoci a riflettere sulla  normalizzazione della violenza e sul paradosso di un problema apparentemente nascosto, ma in realtà  perfettamente visibile.

Alle immagini dei collage si sovrappone la voce di Diana Rodriguez Franco, “Secretaria de la Mujer de  Bogotá” (Segretaria della donna di Bogotá), il ministero della città che si occupa di implementare  politiche pubbliche per la prevenzione e il supporto alle donne vittime di violenza. Nell’intervista,  realizzata dall’artista, la funzionaria racconta come ha sviluppato il programma Espacios seguros, in  risposta al crescente numero di casi di violenza domestica durante la pandemia di COVID-19.  

I testi, le immagini e i suoni, seppur in lingue diverse, creano una grammatica comune che sottolinea la  gravità della situazione e la necessità di agire subito.

Silvia Giambrone 

Domestication, 2020 
Video 2K, 15’ 
Courtesy l’artista, Studio Stefania Miscetti, Galleria Marcolini, Richard Saltoun Gallery e Fondazione In  Between Art Film 

L’opera di Silvia Giambrone (Agrigento, 1891) di natura prettamente politica, evidenzia e denuncia le  modalità dell’assoggettamento femminile attraverso l’impiego di modelli culturali che riguardano il  corpo, il comportamento atteso e la manipolazione dell’immaginario. Le sue opere sono un potente  dispositivo per riflettere sia sull’addomesticamento alla violenza, che sul tabù che circonda questa  pulsione, sulla capacità di poter assoggettare gli altri usando una grammatica affettiva e relazionale  socialmente accettata e a cui siamo talmente assuefatti da non riuscire più a riconoscerla come tale. 

Silvia Giambrone nel video Domestication ha utilizzato come palinsesto concettuale il Saggio di educazione e  istruzione dei fanciulli, scritto dal teologo svizzero Johan Sulzer nel 1748 che muove dal presupposto che  “l’educazione non è altro se non apprendimento dell’obbedienza”. Un’obbedienza ottenuta con la  coercizione sia fisica che psicologica tanto che questo tipo di pedagogia oggi viene definita dagli 

studiosi della materia Pedagogia nera. Questo doloroso insieme di regole, che per secoli ha costituito  l’ossatura dell’educazione impartita ai bambini, ha generato una serie di strascichi culturali e  comportamentali che, ancora oggi, vengono ritenuti da educatori e psicoterapeuti responsabili per  l’attitudine alla violenza che caratterizza le relazioni umane. In un interno domestico due attori, un  uomo e una donna, che hanno introiettato il paradigma della violenza all’interno della loro relazione si  muovono in maniera evocativa e poetica. I due protagonisti, sono sempre ripresi da soli in  quell’ambiente comune, come se fossero uno la proiezione o il ricordo dell’altro, e gli oggetti che  entrambi utilizzano diventano i segni tangibili della loro effettiva presenza. Oggetti di uso comune che  però se guardati attraverso la lente deformante della violenza diventano potenzialmente pericolosi e  sinistri, oggetti che diventano quindi sia i testimoni che gli strumenti di una violenza simbolica. Il  confine fra vittima e carnefice è sfumato al punto da rendere difficile definire chi dei due incarna quei  due ruoli, tutto il video è pervaso da una tensione che è sempre sul punto di scoppiare perché ormai  incistata non solo nello spazio domestico ma anche nella psiche dei suoi abitanti. Il registro visivo è  un’alternanza di ritmi ossessivi e disturbanti con dei momenti quasi onirici nonostante la credibilità  dell’ambiente e dei personaggi.

Eva Giolo 

Flowers blooming in our throats, 2020 
16mm trasferito su supporto digitale, 8’ 42″ 
Courtesy l’artista, Fondazione In Between Art Film e Elephy 

Eva Giolo (n.1991 Bruxelles) è un’artista visiva che impiega strategie documentarie per indagare storie  personali e familiari, con uno sguardo intenso e sensibile sul mondo femminile. Nella sua pratica  utilizza spesso riprese in 16mm e found footage provenienti da archivi di home video e dal suo privato. 

Filmato in 16mm subito dopo il lockdown dovuto alla pandemia di COVID-19, Flowers blooming in our  throats è un ritratto cinematografico intimo e poetico dei fragili equilibri che regolano la quotidianità nel  contesto domestico. L’artista riprende un gruppo di donne, con cui condivide legami di amicizia,  mentre nelle loro case eseguono piccole azioni seguendo le sue indicazioni. Giolo sceglie di percorrere 

un confine labile dove i gesti rimangono simbolicamente ambigui, espressione di una violenza non  immediatamente riconoscibile. Mani che cercano di sostenersi e di sottrarsi, ma anche di stringere e  colpire, in un gioco sottile di suoni e riferimenti che alimenta il senso di tensione e disagio nello  spettatore. Una conversazione gestuale, composta da sequenze visive che si ripetono, in cui il tempo è  scandito dalla rotazione di una piccola trottola, anch’essa instabile e precaria come gli equilibri in una  relazione affettiva.

L’artista utilizza ripetutamente un filtro rosso sull’obiettivo, creando un dispositivo concettuale che  sfrutta un elemento di astrazione per occultare e trasfigurare le immagini. L’inserimento meccanico del  filtro nell’obiettivo diventa così una simulazione di un atto violento, che immediatamente cambia la  nostra percezione della memoria di uno stesso gesto già visto in precedenza.  

Questa compresenza di opposti si ritrova anche nel titolo che metaforicamente associa alla bellezza di  un fenomeno naturale, e implicitamente all’amore, il rischio di trasformarsi in un impulso soffocante.

Basir Mahmood 

Sunsets, everyday, 2020 
Video, 14’ 55’’ 
Courtesy l’artista e Fondazione In Between Art Film 

Formatosi come scultore, Basir Mahmood (n. 1985, Lahore; vive e lavora ad Amsterdam) utilizza il  video e la fotografia per riflettere sui meccanismi di costruzione del linguaggio cinematografico e per  confrontarsi con il valore estetico e politico della realtà quotidiana.  

Sunsets, everyday è il risultato di una ricerca iniziata dall’artista immaginando il processo, sia fisico che  cinematografico, che genera le immagini di violenza domestica. Durante il lockdown alcune vittime  hanno coraggiosamente utilizzato i social media per condividere fotografie dei loro volti, per  incoraggiare altre donne a denunciare. Le ferite e i segni sui loro corpi erano l’unica prova tangibile dei  colpi e del dolore che avevano subito, e per l’artista sono state il punto di partenza per riflettere su tutto  quello che accade lontano dal nostro sguardo.  

Mahmood ha quindi commissionato a un team di produzione cinematografica in Pakistan di ricreare e  filmare in sua assenza una scena ripetuta di violenza domestica, seguendo le sue istruzioni e alcune immagini di riferimento. Mentre la troupe principale era impegnata a lavorare, due cameramen avevano  l’indicazione di filmare in continuo l’intero processo e gli elementi del set nei minimi dettagli. Questa  metodologia di lavoro a distanza, da lui spesso utilizzata, attiva una riflessione su un piano concettuale  sul ruolo dell’artista e sulla sua autorialità, rendendolo testimone e osservatore della sua stessa opera. 

La messa in scena della violenza è quindi ciò che genera le immagini sullo schermo, ma l’atto in sé è  quasi del tutto negato allo spettatore. Sono infatti visibili solo stretti primi piani e piccole porzioni di  corpi femminili. L’artista rifiuta così qualsiasi spettacolarizzazione e si concentra invece sul processo  cinematografico e sui codici del suo linguaggio. Un metacinema della violenza i cui protagonisti sono  tecnici e membri della troupe sottoposti alla richiesta estenuante di ripetere la scena per 16 ore  consecutive di riprese. Il set stesso è indagato dalla telecamera con uno sguardo forense, e gli oggetti  che lo compongono sono portati sullo stesso piano di valore delle persone. Testimoni forzati della  violenza che si consuma di fronte a loro. La riproposizione quasi ossessiva degli stessi gesti, come la  pulizia del pavimento, diventa così espressione della quotidianità della violenza. Un atto che si ripete  attraverso una tragica continuità. Tutti i giorni, inevitabile come un “tramonto”. 

MASBEDO 

Daily Routine, 2020 
Video 4K, 11’ 
Courtesy gli artisti e Fondazione In Between Art Film 

MASBEDO è un duo artistico formato da Nicolò Massazza (1973, Milano) e Jacopo Bedogni (1970,  Sarzana) e la cui pratica si articola in video, film, performance e installazione, fino ad arrivare a  collaborazioni nel campo della regia teatrale e lirica. Attraverso un vocabolario formale che attinge alla  dimensione simbolica delle immagini in movimento, gli artisti esplorano l’universo delle relazioni umane nei loro aspetti più profondi, legati spesso ai temi dell’incomunicabilità e della distanza  psicologica. 

La protagonista di Daily Routine abita una casa spoglia fatta di vetro e cemento, all’interno della quale  pochi arredi minimalisti punteggiano uno spazio altrimenti vuoto. Dall’imbrunire fino alla notte, la sua  solitudine è interrotta da una sequenza di gesti ordinari cui sembra essere ormai assuefatta: controllare  le telecamere di sicurezza, fumare, prepararsi la cena e allenarsi su una cyclette ellittica. Diventa presto  evidente come questa architettura severa e trasparente sia, in realtà, uno strumento di controllo: tutto è  visibile dall’esterno e uno sguardo lontano sembra registrare ogni movimento che avvenga all’interno di  questa struttura del dominio. 

Il silenzio che grava su questa casa è interrotto solo da poche, perentorie comunicazioni telefoniche,  quasi fossero istruzioni che non richiedono risposte: una voce maschile si assicura che tutto sia sigillato  ed esprime soddisfazione per la perfezione degli arredi. Attraverso una estrema economia di azioni e  narrazione, i Masbedo trasformano la telecamera in uno strumento ossessivo del dominio maschile,  mettendo in scena di quest’ultimo il delirio narcisistico, l’ansia di controllo e l’espressione della violenza  attraverso la più quita forma di oggettificazione della propria partner. In Daily Routine l’abuso non ha  bisogno di manifestarsi in gesti improvvisi ed eclatanti: esso si è, infatti, sedimentato nella dinamica  relazionale di coppia, impregna i muri e si riflette sulle ampie vetrate, abita i silenzi e scandisce con  ritmo infernale l’allenamento fisico, fino a penetrare nei gesti stessi della nutrizione. Ed è proprio  nell’aspetto meccanico dell’esercizio fisico che si esprime la dimensione più sottile ed agghiacciante di  quest’opera, che della violenza evoca il basso continuo e il battito costante.

Elena Mazzi 

Muse, 2020 
Video 4K, 13’ 30’’ 
Courtesy l’artista, galleria Ex Elettrofonica e Fondazione In Between Art Film 

La poetica di Elena Mazzi (Reggio Emilia, 1984) riguarda il rapporto tra l’uomo e l’ambiente in cui vive.  Seguendo un approccio prevalentemente antropologico, la sua analisi indaga e documenta l’identità sia  personale che collettiva relativa a uno specifico territorio mettendo in evidenza le diverse forme di  scambio e trasformazione. 

Elena Mazzi nel video Muse accompagna per mano lo spettatore nell’incubo della violenza di genere  attraverso la bellezza straniante delle statue greco-romane conservate nell’Antiquarium della Domus  Grimani a Venezia. Il video inizia con delle inquadrature di particolari di interni come se quelle sale  fossero ancora vissute mentre una voce narrante ci porta nell’intimità della persona che abitava, o forse  ancora abita, quelle stanze solitarie. Il ritmo visivo cambia quando la camera comincia ad inquadrare  particolari anatomici dei corpi e dei volti di uomini e donne dell’antichità, corpi restaurati, rimessi  insieme, tagli e suture nel marmo, dettagli su mani dalle dita mozzate, gambe e corpi che si susseguono,  mettendo in relazione statue maschili e femminili da diverse angolazioni, con luci naturali che tagliano  gli sguardi. Sono statue trafugate da altri luoghi, in un’epoca di crudo colonialismo che stride con il  perfetto equilibrio estetico in cui sono allestite. Sono corpi che ci raccontano storie lontane, di relazioni  amorose, di violenza, di mito, di saccheggio, di morte e di rinascita. La voce narrante ci parla di stupri,  di rapimenti e di dei violenti che non esitano a trasformarsi per poter raggirare le loro prede sessuali,  esseri umani disarmati e bellissimi sia uomini che donne. Il testo è stato costruito selezionando alcuni miti in cui la violenza è il fulcro del racconto e inserendolo in una narrazione più ampia che mette in  relazione quel passato mitologico con la contemporaneità mettendo in evidenza come certe dinamiche  comportamentali si ripetano ancora oggi sempre uguali. Questa narrazione visivamente potente ci porta  in un mondo violento, quello del mito, fatto di sopraffazione e dominazione e in cui questa violenza  viene agita direttamente da un Dio iroso e desiderante.

Adrian Paci 

Vedo rosso, 2020 
Video, 11’ 38’’ 
Testo e voce: Daria Deflorian 
Courtesy l’artista, kaufmann repetto, Peter Kilchmann Gallery e Fondazione In Between Art Film 

Sin dalla fine degli anni Novanta, Adrian Paci (1969, Shkodër, Albania. Vive e lavora a Milano) ha  sviluppato una pratica artistica che contempla video, film, pittura, fotografia e installazione. Centrale nel  suo lavoro è il tema della dislocazione, che Paci affronta attraverso la rappresentazione dei flussi  migratori globali e, con linguaggio poetico e metaforico, trattando la trasformazione delle immagini tra  cinema e pittura, la natura cangiante della memoria personale e il rapporto tra immagini in movimento,  storia e realtà. 

In Vedo rosso le immagini sono pressoché assenti: lo schermo è saturo di un rosso palpitante che, solo  per alcuni istanti, è interrotto dalla comparsa di un occhio. La scelta, quasi paradossale, di affrontare il  dramma della violenza domestica attraverso la negazione dell’immagine rivela una sorta di “impossibilità” del racconto: il rosso, infatti, è quello di un dito che ostruisce la telecamera del  telefonino, una sorta di errore, di disturbo della registrazione delle immagini che sovente accade. È  come se l’obiettivo del cellulare non riuscisse a riprendere l’ambiente domestico e fosse continuamente  frustrato, ricacciato in una dimensione claustrofobica. 

Gli occhi che fanno una fugace apparizione sono frammenti di ritratti filmici di rifugiate siriane che  Paci ha girato a Beirut nel 2018: anche qui siamo di fronte a un movimento – quello migratorio e legato  alla salvezza – che viene negato, insieme con la possibilità, spesso sottratta ai rifugiati, di raccontare la  propria storia al di là delle semplificazioni prodotte dei media. 

Un testo originale scritto e interpretato dall’autrice teatrale e attrice Daria Deflorian fornisce la struttura  narrativa: qui il potere del racconto trasforma l’assenza di immagini in uno spazio drammaturgico e di  ascolto cui lo spettatore non può sottrarsi, e che trasmette tanto la complessità e le contraddizioni  dell’abuso quanto la vischiosità di certe relazioni. 

Vedo rosso è una polifonia per colore e voce, una tessitura che intreccia tre forme di isolamento, di  costrizione e di negazione tanto spaziali quanto interiori e che tematizza sia il limite – fisico,  psicologico, individuale e collettivo – sia il desiderio del suo superamento.